A Sandeep Narayan interjú: „Azt akarom, hogy a koncertem a lehető leghitelesebb és minél valóságosabb legyen”

Sandeep Narayan, a karnevikus klasszikus énekes hisz a kortárs értékekben, még akkor is, ha gyakorolja a konzervatív művészetet. Kíváncsi rá, ki volt az a sztár-zenész, aki kiképezte és formálta a művészet és az élet perspektíváit? Olvassa el ezt a megnyerő beszélgetést.

Sandeep Narayan, a Carnatic klasszikus énekese koncerten lép fel. (Expressz fotó: Ramanathan Iyer)

Az 1990 -es években meglehetősen szokatlan ötlet volt, hogy az USA -ban egy gyereket kivegyenek az iskolából, és elküldjék Chennaiba, hogy megtanulják a Carnatic zenét. Senki sem tette ezt korábban, de a Los Angeles -i narajiak annyira szerették a Carnatic zenét, hogy úgy gondolták, hogy tehetséges fiuknak nem szabad kihagynia azt az előnyt, amelyet a vele egykorú gyerekek élveztek Chennai -ban.

Fiuk mindössze 11 éves volt, és természetesen hajlamos volt a zenére, mert kora gyermekkora óta csak otthon hallott a Carnatic zenéről. Négy éves kora óta tanulta a Carnatic zenét édesanyjától, Shubha Narayantól, aki maga is jól ismert zenei törzskönyvvel rendelkezett. De mivel a fiatal fiú túlságosan játékos lett, szülei úgy gondolták, hogy formálisan egy másik gurutól kell tanulnia. Megkérdezték a csennai székhelyű furulyamester N Ramani-t, aki Sandeep bátyja fuvoláját tanította, ha tudna segíteni. Ramani alapos gondolkodás után azt javasolta, hogy a fiú jöjjön Indiába, és tanuljon Kalkutta KS Krishnamurthitól, egy jól ismert zenetudóstól és a magas rangú előadók keresett tanárától.

Krishnamurti számára a kérés kissé szokatlan volt, mert egyetlen NRI -t sem tanított, nemhogy gyereket, kivéve valószínűleg azokat, akik véglegesen Indiába költöztek. Ramani miatt kipróbálta, lenyűgözte a fiú korai edzése és éleslátása, és megengedte neki, hogy alatta tanuljon.

A fiú körülbelül 18 hónapig tartózkodott Indiában édesanyjával, és Krishnamurti alatt meglehetősen szigorú képzésen esett át, amely tele volt órákkal, koncertekkel és könyörtelen gyakorlatokkal. Amikor visszatért az Egyesült Államokba, szilárd alapja volt, sokkal erősebben kötődött a klasszikus zenéhez, és mély vágya volt, hogy nagy legyen a Carnatic zenében. A nyári és téli vakációkon folytatta felvételeit és közvetlen óráit Chennai -ban Krishnamurthi alatt.

Olvassa el | Akkarai Sisters: „A karnatikus zene spontán művészet, nem pedig valami, amit tökéletesen el lehet próbálni”

A fiú sajnos Krishnamurti három év alatt meghalt, és nem maradt hasonló kaliberű tanár. De ezúttal a családnak nem kellett más gurut keresnie, mert a fiú, már tizenéves korában, már egy új gurura szegezte tekintetét, aki már önmagában is sztár volt, és Krishnamurti vezető tanítványa. . A fiú, aki még mindig az Egyesült Államokban él, és kétévente utazik Indiába, a következő 15 évben új gurujától tanult, és mára azon kevés kortárs Carnatic zenészek egyike, aki a saját gurujára jellemző stílust szívta magába. A képzés az új guruval életet megváltoztató volt, és a fiú 2006-ban végleg Chennaiba költözött, miután befejezte egyetemi tanulmányait. Most a Carnatic zenészek fiatalabb generációjának egyik legjobb sztárja, és az első indiai-amerikai gyerek, aki karriert csinált a Carnatic zenében Indiában.

Ez Sandeep Narayan története, a Carnatic zene menő pasija, aki olyan stílusáról ismert, amely gazdag klasszicizmusban, kifejezésekben és improvizációban. Főszereplő énekes a Chennai Sabhas-ban, beleértve a Madras Music Academy-t, és más indiai városokban is nagyon keresett klasszikus előadó. Egyike azon fiatalabb generációs klasszikus zenészeknek, akik képesek eljuttatni a művészetet az új generációhoz és átlépni a közönséget.

A Sandeep rugalmas, vonzó hanggal ajándékozott meg, amely képes könnyedén mozogni az oktávokon, és mélyen kifejező stílusáról híres, elragadó előadó, aki vonzza a klasszikus zene lenyűgöző ismerőit minden korosztályból, Chennai -ban és másutt is. Elég jártas a klasszikus éneklés minden területén, és stílusa gazdag jól megformált gamakákban, brigákban és vonzó zenei hangokban, amelyek még a laikusok számára is vonzóvá teszik a Carnatic zenét. Énekének velejárója, lassú és nagy sebességgel is, bizonyos tisztaságot, kiegyensúlyozottságot és kellemes járást kölcsönöz zenéjének. Kifinomult klasszikus technikái, valamint a zene és a művészet más formáihoz való tájékozott expozíciója varázslatossá és meggyőzővé teszi improvizációit, legyen szó a raga éneklésről, a neravalról (az ének improvizációja tartózkodik a fő kompozíciótól), a kalpanaswaras (amelyben az énekes részt vesz) a raga hangjainak ötletes bemutatása) és ami a legfontosabb, a Raga Tanam Pallavi (RTP), amely a Carnatic énekes technikai és kreatív sokoldalúságát mérlegeli.

A Sandeep számos regionális és nemzeti kitüntetésben részesült. A Zeneakadémia legjobb koncertelőadója volt, és számos címet kapott, mint például a Sangeet Natak Akademi Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar tavaly.

sima kéregű juharfa

Egy kicsit egyedivé teszi őt az is, hogy nem egy régi stílusú konzervatív Carnatic énekes. Valószínűleg kortárs konzervatívnak nevezheti, ami azt jelenti, hogy még a konzervatív művészet gyakorlása közben is hisz a kortárs értékekben. A hozzá hasonló zenészek pedig bizonyítják, hogy még egy olyan régi művészet is, mint a Carnatic zene, meglehetősen kortárs és előremutató tud lenni.

Kíváncsi rá, ki volt az a sztár-zenész, aki kiképezte és formálta a művészet és az élet perspektíváit? Olvassa el ezt a megnyerő beszélgetést.

Sandeep Narayan 2019 -ben megkapja SNA Yuva Puraskarot Manipur kormányzójától, Najma Heptullahtól.

Hadd kezdjem az elejéről. Úttörő voltál, mint az első indiai-amerikai gyerek, aki úgy döntött, hogy Indiában karrierként folytatja a Carnatic zenét. Hogyan történt, és mit érez, ha visszanéz? Sok életmódváltáson kellett átesnie?

Abban az időben valószínűleg nem tudtam, mit tegyek, és ez egyfajta kísérlet volt, amely végül bevált. Biztosan tudtam, hogy a Carnatic zenében szeretnék részt venni, és ezt csak Chennai -ban lehet megtenni. Az életmód kiigazítása szempontjából nem volt gondom, mert a zene mindennél fontosabb volt: zenét tanulni, koncertekre járni és végül fellépni. Ezek voltak a célok. Valójában nem értek egyet az emberekkel, amikor azt mondják, hogy az életszínvonal itt is alacsonyabb, mert ez attól függ, hogy mit keres és milyen értékei vannak. Vitatkozhatok azzal, hogy itt valójában jobb az életszínvonal. Itt sok olyan dolgot kap, amelyek boldogabbá teszik az életét, könnyebben. Például, ha csésze chait akarok inni, nem kell a Starbucks -ba autóznom, csak néhány lábnyi sétával eljuthatok minden tea kadai -hoz (bolt)! Csodálatos barátaim is vannak itt. Őszintén szólva nagyon boldog vagyok.

Könnyű volt alkalmazkodni egy indiai guruval egy olyan zenei rendszerben, amely ma is meglehetősen konzervatívnak tűnik?

Az első guru Chennai -ban, a KSK Mama (KS Krishnamurti) nem volt túl ortodox, és nagyon jól kijöttünk egymással. Vicces volt, hogy volt egy nagyon erős amerikai akcentussal rendelkező 11 éves gyerek, aki zenét akart tanulni egy idősebb vidwantól. Kicsit szkeptikus volt, de miután hallottam énekelni, boldog volt. Az első óránk után azt mondta nekem, hogy magasabb szinten kezd el tanítani, mert azt gondolja, hogy képesebb vagyok, mint a korombeli gyerekek. Valami határozottan kattant köztünk.

1996 óta Indiába jött, hogy Kalkutta Krsnamnamurti alatt tanuljon, és az ő halála után egy másik guruhoz váltott, és sokáig tanult alatta, amíg teljesen független lett. Le tudná írni, hogyan fejlődött zenészként Chennai -ban?

A KSK Mama elég korán biztatott, hogy fedezzem fel a manodharmát. Eddig nagyon kevés improvizatív zenét csináltam, mint az alapana, a neraval, a swaras stb. Sok új ragát is megtanított nekem, és más irányt és mélységet adott zenei tevékenységemnek.

1999 -ben, amikor meghalt, mástól kellett tanulnom, és az egyetlen személy, akit Sanjay Subrahmanyan gondoltam. Már azelőtt ismertem őt, mielőtt a KSK Mama-hoz mentem, mert a családunk 1995-ben találkozott vele az Egyesült Államokban tartott koncertturnéja során. Még gyerekkoromban is nagy rajongója voltam, és 1996-97 óta követem őt vallásban. Amikor Chennai -ban voltam, elmentem a koncertjeire, és az első sorban ültem. Tanult a KSK Mamától más ismert művészekkel együtt, többek között Sudha Raghunathan és P Unnikrishnan. Tényleg sztár voltam, és azt is gondoltam, hogy jó, hogy ugyanaztól a gurutól tanultam, akitől Sanjay Subrahmanyan is tanult.

Olvassa el | A közönség a zenét élvezi, nem pedig a matematikai varázslatot: Neyveli Venkatesh

Így amikor a gurum már nem volt, megkérdeztem Sanjayt, hogy taníthat -e engem. Teljesen biztos voltam a választásomban, de kissé tétovázott, mert úgy gondolta, miután megtanulta a KSK Mamától, aki nagyon idős és jóval idősebb volt, hogy folytassam az adott generációval. De nekem Sanjay volt a tökéletes. Nagyon jól kijöttem vele, és a szüleimnek is tetszett.

Velem és Sanjay-val nem volt gond. Beszéltünk sportokról, filmekről, más zenei stílusokról stb.

Tanul még tőle?

2014-15-ig rendszeresen tanultam tőle. Fokozatosan ritkábbá váltak az órák az egyre növekvő utazásaim és az amúgy is sűrű utazási ütemterve miatt. Azt is szerette volna, ha egyedül tanulok és bővítek. Most önállóbb vagyok a tanulással, de konzultálok vele minden zenei kérdéssel kapcsolatban, amelyet időnként felvetek. Például két évvel ezelőtt üzenetet küldtem neki, ha megtanulok pár dalt, és azonnal kötelezte. Még ma is, ha valamit tisztáznom kell a zenében, odamegyek hozzá.

Mint tudják, az emberek sok hatással vannak a zenéjére a Sanjay -ra, beleértve néhány gesztust, hangzásmódot, sangathist stb.

Igen, tudom (nevet). De akik követik Sanjay -t és a zenémet, azt is észrevették, hogyan és mikor váltam el Sanjay Sir stílusától. Azok, akik mellékesen hallgatnak, és tudják, hogy én vagyok a tanítványa, természetesen ezt az összefüggést hozzák létre, és megjegyzést fűznek a valódi vagy vélt hasonlóságokhoz.

A másik hatás maga a koncerthez való hozzáállása is. Van egy bizonyos szintű professzionalizmusa, és ez rám is dörzsölt, amiért nagyon hálás vagyok neki. Tiszteletben tartja más művészeket, szervezeteket és a közönséget. Azt mondta nekem: Soha ne gondolja, hogy a közönség hülye. Soha ne vedd őket természetesnek. Ez az egyik dolog, amire mindig emlékszem, és próbálok ragaszkodni a koncertjeimhez. Fókuszáltsága és komolysága félelmetes: a koncertteremben övé a csarnok, az egész tér.

Jobb, ha Sandeep Narayan énekest kortárs konzervatívnak nevezzük, ami azt jelenti, hogy még a konzervatív művészet gyakorlása közben is hisz a kortárs értékekben. (Expressz fotó: Rajappane Raju)

Sanjay stílusa sokat szól az innovációról. Mennyire vagy innovatív a színpadon?

Lehet, hogy elmegyek egy koncertre, és azt gondolom, hogy énekelni fogok valamit, különösen aznap, de ez nem mindig működik így. Ehelyett más történhet. Látod, sok zene van a fejedben, miközben azon a koncertszínpadon ülsz az állandó hallgatás és tanulás miatt - a népszerűtől a klasszikusig -, és hirtelen valami felbukkan a fejedben. Amikor ilyen dolgok történnek, szeretem felfedezni. Ez minden bizonnyal az egyik dolog, amit a gurumaimtól és más művészeimtől kaptam. Ha valami eszedbe jut, vizsgáld meg. Ne mondj nemet. Nézze meg, mit tehet vele struktúránk keretein belül, hogy ne legyen belőle valami más. A Carnatic koncert nem filmzenei koncert, nem is fúziós koncert, de ennek keretei között még van lehetőség a kreativitásra. Így szeretek hozzáállni.

Tudtad, hogy kezdeti éveidben könyörtelenül gyakoroltál együtt órákat. Most, hogy koncertekkel és turnékkal van elfoglalva, hogyan kezeli ezt?

A legutóbbi amerikai turném során sok gyerek megkérdezte tőlem, mennyit kell gyakorolni egy bizonyos szint eléréséhez. A válaszom az volt, hogy nincs képlet. Számomra soha nem volt formula. És mindenképpen a minőségről van szó, nem pedig a mennyiségről. Csak keményen kell dolgoznia, és bíznia kell önmagában abban, hogy egyszer majd minden összeomlik. Amikor az Egyesült Államokban éltem, a gyakorlat sokkal nehezebb volt az iskolában, az egyetemen stb. De azokban az időkben sok zenét hallgattam, hogy ezt pótoljam, és amikor havonta hazamentem, minden nap 2-3 órát gyakoroltam. Amikor Chennaiba költöztem, nem volt annyi probléma, és legalább 2-3 órát gyakorolhattam reggel, és további 2-3 órát délután vagy este rendszeresen. Szinte minden nap koncertekre jártam, függetlenül attól, hogy ki volt a művész. Más szóval, akkor minden időmet zenével töltöttem. Sok volt az ismétlés.

Az ismétlés a tudomány működése. Ismétlem, tökéletes vagy, nem?

Igen, a mai diákoknak szem előtt kell tartaniuk, hogy ne csak egy dalt tanuljanak meg, majd lépjenek tovább a következőre. Egy dolog, amit korán a fejembe fúrtak, az az, hogy százszor el kell énekelni egy dalt. Ezt tudták és tették a legjobb művészek, különösen a múltban. Valahol a közepén feledésbe merült sok törekvő zenésszel. És elismerem, hogy néha még én is áldozata vagyok ennek a hozzáállásnak: azt hiszem, megtanultam egy dalt, elénekeltem néhányszor, és most szeretném minél hamarabb elénekelni egy koncerten. Lehet, hogy aznap működik, és biztonságban lehetek, de ha ugyanazt a dalt éneklem egy hónap, két hónap vagy hat hónap után, akkor az aznapi verzió és az első verzió mérföldekre lenne egymástól. Amikor először énekel egy dalt, csak szavalt, de amikor egy adott időszakban annyiszor gyakorolja, akkor az a dalává válhat. Már nem mondasz el valami megjegyzett dolgot, ez a részed. Ezt látom még ma is. Az ismétlés az egyik dolog, amire az évek során rájöttem, hogy olyan fontos. Újra és újra varnamokat énekelek. Különböző sebességek, különböző gamakam -felfedezések, különböző dolgok.

Most a koncertekkel és az utazási menetrendekkel nem tudtam annyit gyakorolni, de igyekszem legalább napi egy-két órát félretenni. Az utazási napokon a gyakorlat olyan lesz, mint egy koncert összefoglaló: mit énekeljünk és mit kerüljünk el, mert nem szeretném megismételni azokat a dalokat és ragokat, amelyeket korábban ugyanott énekeltem volna. Például ezúttal, amikor a Chembai fesztiválra mentem Guruvayoor -ba, hirtelen rájöttem, hogy nagyon régóta nem énekeltem Rasavilasa -t (Swathi Thirunal dal a raga Kambojiban). Így a Coimbatore -i repülőtérről Guruvayoor -ba tartó autóút során egy felvételt hallgattam róla, és próbáltam felfrissíteni az emlékezetemet. Végül nem azért énekeltem el, mert más dalt kértek, de örülök, hogy visszajött az emlékezetembe, és azt tervezem, hogy hamarosan újra eléneklem.

A Carnatic zenészekről ismert, hogy különböző hangtechnikákat alkalmaznak énekük tökéletesítésére, néha még hangszakemberek segítségével is. Van neked?

Amire rájöttem, az az, hogy a zenénknek ennyi beépített gyakorlata van. Még az olyan alapvető dolgok is, mint a sarali-varisai és a janta-varisai, önmagukban gyakorlatok. Sajnos a kezdő lépcsőfokként jelölték meg őket a varnam megtanulásához, és amikor ezzel befejeződik, a swara jathis és a geetham területére költöznek, és általában nem néznek vissza. De ezek a dolgok időtlenek. Ezek olyan jó gyakorlatok, amelyeket leírtak nekünk. Ott ül az első geetham könyveiben. Néha különböző ragákban és különböző sebességgel énekelek, miközben megtartom a tisztaságot. Ez önmagában is egy csodálatos hanggyakorlat. Mulatságos kihívássá vált számomra.

Sandeep Narayan fellép egy koncerten Chennai Kapali templomában 2019 -ben.

Még a Varnamok is ilyen jó gyakorlatok. A sebesség lassúról gyorsra megy, a dallam gyakran nagyon alacsony és nagyon magas között mozog, és mindezt swaram, sahithyam stb. Tehát a hanggyakorlatok valójában a zenénkhez tartoznak. Csak fel kell fedeznünk és megfelelően ki kell használnunk őket.

De megbeszéltem képzett szakemberekkel azokat a bemelegítési és lehűlési gyakorlatokat is, amelyek segíthetnek a hang fenntartásában. Általában nem tartjuk szükségesnek a lehűlést, de ez olyan, mint bármely más izom és minden más edzés az edzőteremben, és hasonlóan a fegyelem és a gyakorlás egyaránt szükséges.

Manapság nagy a kereslet a változatosság iránt, ezért egy művésznek folyamatosan bővítenie kell repertoárját. Nyomást gyakorol rád?

Talán évtizedekkel ezelőtt ugyanazt a dalcsokrot énekelhette újra és újra városról városra, és közben csiszolhatta is ezeket a dalokat. Ma azonban a közösségi média és a digitális platformok megjelenésével ezt annyira nem teheti meg. Ha egy helyen énekelek egy dalt vagy rágát, akkor más városokban mindenki szinte azonnal megtudja. Ha hamarosan megismétlem egy másik városban, azt mondanák, hogy mindenhol ugyanazokat a dalokat éneklem, és megjegyzik, hogy talán nem tudok mást! Így az új dalok gyakrabban történő éneklése kissé szükségessé vált. A hátránya az, hogy ha folyamatosan új dolgokat énekel, nem tud mélyebbre hatolni az elsajátítani kívánt dalokban. Tehát mindenképpen nagy nyomás lehet. Amint korábban említettem, ideális esetben többször el kell énekelni egy dalt, mielőtt nyilvánosan bemutatnánk, ami szintén megterheli a hangot, amikor folyamatosan frissíteni próbáljuk minden koncert repertoárját.

Abhishek Raghuram interjú: „A művészetben nincs jó és rossz. Számomra ez az önkifejezésről szól ”

Az a megközelítésem, hogy még a régi dalokban is frissességet hozzak, amellett, hogy újakat énekelek. Ez nem csak a közönségnek szól, hanem magamnak is. Ha ma énekelek valamit, amit 20 évvel ezelőtt énekeltem, és ha még mindig ugyanúgy hangzik, az azt jelenti, hogy zenészként nem nőttem fel. Bár a művészek valószínűleg megúszhatták volna, hogy gyakrabban énekeljenek egy dalt, mint ma, azt is észrevettem, hogy a legnagyobb művészek nem csak találtak valamit, ami működött, és ugyanazt csinálják. Ehelyett többnyire tovább fejlődtek. Ilyen változást és érettséget látsz a zenéjükben az évek során.

De a korábbi mestereknek nem volt ilyen nyomása repertoárjuk bővítésére

Nem tudom biztosan, milyen nyomás nehezedett a korábbi mesterekre vagy nem. De gyanítom, hogy ez igaz lehet, és ezért tudták elénekelni néhány védjegyes dalukat, amelyek slágereik lettek, amelyeket velük társítunk. Ne felejtsük el, hogy valóban új dalokat és ragát mutattak be. A GN Balasubramaniam zenéjén keresztül megismerkedtem néhány hindusztáni ragával, mint például Durga és Gavathi. Néha híressé tették a rágát, és néha híressé tették. De még ebben a megközelítésben is volt dinamizmus. A dal ugyanaz lehet, de új ötleteket hoztak a swara énekléshez, a neravalhoz stb. Mint tudod, az emberek még a felvételi dátumuk alapján is hivatkoznak ezekre a dalokra. X művész felejthetetlen Y dalt énekelt a Z évben. Miért teszik ezt az emberek? Mert még ha a dal vagy a raga is ugyanaz, az átadás nem az. Ha úgy érzi, hogy négy koncert után egy előadó ugyanúgy szól, lehet, hogy nincs kedve tovább hallgatni őt. A múlt és a mai sikeres művészek mindig kerülik, hogy ebbe a csapdába essenek. Minden előadással mást hoznak.

Sandeep Narayan a Pennsylvania -i Carnegie Mellon Egyetemen tartott koncertjén lép fel 2013 -ban.

Sok korábbi mestert, akiket az emberek most bálványoznak, nem kaptak kellő elismerésben az ő idejükben. Követed valamelyik munkájukat?

Voltak olyan művészek, akiket gyakran úgy érzünk, hogy alulértékeltek az idejük alatt a tényleges hozzáértésükhöz és hozzájárulásukhoz képest. Az emberek mindig példaként beszélnek MD Ramanathanról. Úgy érzem, hogy Thanjavur S Kalyanaraman is ilyen volt. És bár Madurai Somasundaramnak meglehetősen sok sikere volt a maga idejében, úgy tűnik, hogy bármilyen okból még mindig nem kerül be a történelemkönyvekbe néhány társával. 2019 -ben sok helyen megünnepeltük születésének centenáriumát, a Somu 100 -at, de ezt megelőzően alig lehetett hallani, hogy az elmúlt években a nevéről és zenéjéről beszélgettek. Elég furcsának tartom.

Nem furcsa, hogy az emberek többet beszélnek Kalyanaramanról?

Ma kultikus hős. Azt hiszem, alapvetően megelőzte korát. Valójában sok érdekes anekdotát hallok az SKR -ről tanítványaitól, családtagjaitól és barátaitól, akik személyesen ismerték őt. Az egyik az, hogy hogyan végzett sok kutatást a hangtechnikákban saját képességeinek fejlesztése érdekében. Ezen technikák miatt meg tudta őrizni a sruthi és a laya pontosságát. Valójában azt mondták nekem, hogy szokott egyedül ülni éjjel, amikor minden csendes, és végezni a hanggyakorlatait. Felfedezte a dwi-madhyama panchama varjya ragas-t is, olyan fogalmat, amit senki sem nagyon vizsgált, és szakértője volt a vivadhi ragáknak. Az emberek ma nagy áhítattal nézik munkásságát. Vagy legalábbis én biztosan.

különböző típusú eukaliptusz levelek

Valahányszor megkérdezik tőlem, hogy ki az az egyetlen személy, akivel szeretném, ha találkoztam volna, és eltölthetnék vele egy kis időt, mindig ő jut eszembe.

Mivel más társadalmi-kulturális közegből származik, és ki van téve a világ más művészeti és zenei formáinak, befolyásolja ez a zenéjét?

Mindig is sok nyugati popot, rockot, R&B -t, hiphopot stb. Hallgattam. Még ma is. A Spotify lejátszási listáim egyesek amerikai és brit székhelyű előadókból, valamint indiánokból. A nem karnatikus zenei stílusok hallgatása számomra gyakran kiadás vagy megkönnyebbülés. A karnatikus zene mindig mély fókuszba juttat, és állandóan jár az agyam. Az egyetlen módja annak, hogy kikapcsoljam vagy szünetre elmenjek attól, hogy más stílusokat hallgatok. De nem tudom, hogy ez mennyire befolyásolta a Carnatic zenémet. Nem hiszem, hogy a rap -t vagy a Hip Hop -ot be tudnám hozni a karnatikába (nevet)!

De lehetnek olyan elemek a népszerű zenében vagy más formákban, amelyek gazdagíthatják vagy színesíthetik klasszikus zenéjét

Azt mondanám, hogy valószínűleg a régi filmdalok könnyebben alkalmazkodnak a Carnatic zenéhez, különösen, ha raga alapúak. Vagy más ritmusú minták más stílusoktól. Lehet, hogy nem hagyományosak, de sokkal könnyebben be tudjuk vinni őket a zenénkbe. Általában egy kicsit a Jazzből, mert sok a párhuzam. Nem hiszem, hogy a rockzene túlzottan alkalmas a Carnaticra, anélkül, hogy belépne a fúzió műfajába.

Szerintem a Jazz a Carnatic zene nyugati, vagy inkább amerikai megfelelője. Mindkettő hasonló improvizációs zene. Sokszor elgondolkozom azon, hogy miért nem próbálják ki az emberek a jazz technikákat a Carnatic zenében, mert az még színesebbé tenné a koncerteket anélkül, hogy elveszítené klasszicizmusát vagy komolyságát

Igen, igazad van, a Jazz áll a legközelebb a Carnatichoz. A klasszikus klasszikus kifejezés miatt alapértelmezés szerint mindenki összehasonlítja a dél -indiai vagy észak -indiai klasszikus zenét a nyugati klasszikus zenével. De ha megnézzük a technikai részleteket és a koncertbemutatót, a Jazz inkább a Carnatic zenéhez hasonlít. Például, miközben van refrénjük, van egy sorunk egy dalból vagy egy pallavi a raga-tanam-pallavi-ban. Pallavi ugyanaz, mint egy refrén, mint a Jazzben, és újra és újra improvizálni. A tanám eközben hasonlít a guggoláshoz. Csak néhány szótagot veszünk, amelyeknek nincs lírai jelentésük, és összekeverik a dallamot és a ritmust.

Egy másik párhuzam a szükséges készségek szintje

Még a képzés szempontjából is nagyon hasonlít a Carnatic zenéhez. Képességeik vagy képzettségük az éneklés, a zongorajáték, a szaxofon vagy a dob módszere lehet. Ez egy technikai képzés. És sokat hallgatnak. A jazz művészek folyamatosan játszanak vagy hallgatnak valamit. Miután elsajátították a technikai készségeket, egy bizonyos pont után kreativitásuk jön be, mert ők is sokat hallgatnak. Megvan a technikai hozzáértésük ahhoz, hogy bármit megtegyenek. Az agyról a hangjára vagy az ujjaira küldött üzenetre technikai készségei miatt vigyázunk. Ugyanez a helyzet a Carnaticban is.

Egy állókép MadRasana Gopala Gokula Music videózásából.

De furcsa, hogy a jazz zenészek szegény háttérből származnak, míg a Carnatic más társadalmi-kulturális profillal rendelkezik, amelyet néha azzal vádolnak, hogy kizárólagos

Valószínűleg ennek köze van ahhoz, hogy a kultúra hogyan fejlődött egy közösségben. Igen, a demográfiai adatok nagyon ellentétesek, míg a képzés, a stílus és az ötleteink kidolgozása nagyon hasonló. Mint egy párhuzamos szerkezet. Majdnem az elejétől.

De a Carnaticban még az improvizációban sem létezik valamilyen regimentáció, mert azt egy régi konzervatív rendszer irányítja?

Nos, azt mondanám, hogy még a Jazzben is vannak bizonyos szabályok: ritmikus ciklus folyik bennük, és bár nem követnek egy raga -t, mint mi, van módjuk vagy skálájuk. Vannak bizonyos hangok, amelyek ebben a módban jönnek, a hangjegyek sorrendje nem túl szigorú, és időnként idegen hangot hoznak be csak a kontraszt miatt, de visszamennek. Többnyire a mérlegüket követik, ami hasonló ahhoz, amit mi. Igen, igazad van. A Carnatic zenében azt tapasztalom, hogy vannak olyan emberek, akik sok szabályt próbálnak előírni.

Néha még egy kis tökéletlenség is jól hangzik, nem?

Nem hiszek a helyes és rossz megközelítésben. Inkább jó és rossz. Ezt pedig a művész tapasztalatai és érettsége alapján lehet megítélni. Például van egy identitása a rágának. Nem kell hallania a skála összes hangját, hogy tudja, Todi vagy Sankarabharanam. Egy mondatból megtudhatja, mi az a raga. Hogyan lehet azonosítani a ragát, még akkor is, ha nem énekeltem el az összes hangot? És honnan ez a jó és rossz? A zenei bemutatónak az esztétikáról és az általa teremtett kapcsolatról kell szólnia. Én személy szerint nem szeretem, ha minden apróságra ilyen szabályokat írnak elő.

A korábbi énekesek, mint Madurai Somu és a kortárs zenészek, mint például Sanjay Subrahmanyan, rengeteg szokatlan elemet tartalmaznak zenéjükben, amelyek önmagukban műfajokká teszik őket. Nem inspirál valami hasonlóra?

Mindketten határozottan nagyon inspiráló művészek számomra. De nem akarok tudatosan valami szokatlant csinálni, csak azért, hogy legyen saját műfajom. Talán egy nap visszanézek, és látom, hogy nem szokványos dolgokat tettem, de szeretném, ha mindez természetes lenne, és a megfelelő időben jönne magától. Talán ez más műfajt eredményez, ahogy mondod. Sokszor csak szeretek hallgatni valamit és értékelni annak szépségét, ahelyett, hogy boncolgatnám és eldönteném, hogy hagyományos -e, vagy új térbe lépett. Az új terek szervesen alakulnak majd, ahogy fejlődöm, és ahogy a zeném még jobban érlelődik.

Mennyire fontos a kapcsolat a közönséggel?

Rendkívül fontos számomra. Ha egy sötét teremben énekelek, megkérem a szervezőket, hogy kapcsolják fel a villanyt, mert nem akarok fekete falnak énekelni. Látni akarom az embereket, a szemüket, a reakcióikat, mindent. Számomra ennyiből táplálkozom. Ha nem érzem, hogy velem vannak, vagy nem reagálnak pozitívan, a helyszínen megváltoztatom az irányt. Ez egy beszélgetés. A közönség a maga módján válaszol és közöl velem. A közönség nélkül kinek énekelünk? A koncertélmény szerves részét képezik. Amikor nagyon befogadó közönségem van, úgy érzem, hogy bármit tudok énekelni. Szupermannek érzem magam azokban a napokban. Ha nem kapok vissza választ, akár kételkedni is kezdhetek magamban.

Használod a közönséggel való kapcsolatot technikaként, hogy visszajelzést kapj?

Azt hiszem, az első pár dalban megtalálhatja azokat a zsebeket a közönségben, amelyek valóban reagálnak arra, amit csinálnak. A szemem és a fókuszom természetesen vissza fog térni hozzájuk. Nem tudatosan teszem, de ösztönösen történik. Néha ösztönösen egy extra másodpercig nézi őket, mert ők is megerősítik, amit énekelnek, mert addig csendben visszajelzést adtak nekem.

A Chennai -i közönség érzékeny?

Ó igen, feltétlenül. Emlékeznie kell arra, hogy Chennai -ban a közönség ennyi zenének van kitéve, így a Chennai -i átlagos rasika elég művelt a Carnatic zenében. Van egy oka annak, hogy mindenki a világ minden tájáról jön ide. Miért költöztem LA -ból Chennai -ba? Itt nevet szerezni valóban kihívás. Az itteni közönség nagyon igényes, de őszinte visszajelzést ad.

Sandeep Narayan azt mondja, hogy bizonyos helyeken meg lehet szabadulni bizonyos dolgoktól, például a borderline trükköktől, de Chennai -ban óvatosnak kell lenni, mert a közönség mindent látott. (Expressz fotó: Rajappane Raju)

Mennyire nagyvonalúan adnak visszajelzést?

Néhány helyen megúszhat bizonyos dolgokat, például a borderline trükköket, de Chennai -ban óvatosnak kell lennie, mert a közönség mindent látott. Mondhatom, bejártam a világot és énekeltem minden közönségnek, de Chennai válaszol Nem érdekel, hová mentél, most énekelned kell nekem. (nevet)

Sokféleképpen megalázó. Sokat jelent a csennai közönség pozitív reakciója. És válaszolnak, odaadják, ahol kell. Ha megpróbálsz tenni valamit az elismerésükért, akkor ők ezt átlátják. De ha te és a zenéd valódi, válaszolnak. Meglepődhetsz, ha értékelnek valamit, amikor nem vártad. Valóságvizsgálat lehet.

Ez a Chennai-ökoszisztéma szépsége, mert ez tartja fenn ezt a karnatikus hagyományt. Nem?

Igen. Az ökoszisztéma nemcsak a művészekről szól, hanem a közönségről is. Nélkülük nem feltétlenül toljuk fel zenéinket magasabb szintekre. Mindig azt mondom a diákoknak és művészeknek, akik Chennain kívül élnek, hogy jöjjenek ide, és nézzék meg, mit művelnek korosztályuk vagy társaik.

A jó illeszkedés sikeres Chennai -ban és máshol, igaz?

Ez az ideális egyensúly. Itt igazán csiszolhatja képességeit. Eközben a más helyeken való fellépés megtanítja, hogyan kell másképp bemutatkozni a különböző közönségek számára. Mindkettő szükséges ahhoz, hogy sikeres előadó lehessen.

Az improvizáció kihívása sebezhetővé tesz a színpadon?

Úgy érzem, hogy egy kicsit sebezhetőnek kell lenni a színpadon. Szomorú vagyok, ha egy művész úgy érzi, hogy annak, amit bemutatni fog a színpadon, tökéletesnek kell lennie. Abban a pillanatban, amikor elkezdi ezt tenni, nem feltárja és nem bővíti zenei kreativitását, amennyire képes. Most inkább a kereskedelmi csomag miatt aggódik. Megpróbál fenntartani egy márkát vagy nevet, amelyet létrehozott. Egyensúlyt kell teremteni a kreativitás felfedezése során létrehozott szabvány között. Ez azt jelenti, hogy bizonyos mértékben sebezhetőnek kell lennie a közönség előtt.

Amikor felállok a színpadra, van egy bizonyos részem, aki magabiztos, és azt mondja: Rendben, ez a komfortzónám. De ha csak azt fogom tenni, amiről tudom, hogy biztonságos és már tesztelt, akkor hogyan fogok a következő szintre lépni művészként? Az a sebezhetőség, amire utaltam, arról szól, hogy megnyitod magad a közönség előtt, és azt mondod: hé, megpróbálok valamit, és nézzük meg együtt, hogyan megy. Ez is része a beszélgetésnek, amiről korábban beszéltem.

Sandeep Narayan 2015 -ben koncertezik a Thiruvananthapuram -i Kuthiramaligai -ban.

Az egyik amerikai turnénkon egy bonyolult korvai -val próbáltam, amit kellőképpen gyakoroltam, de ez nem csak a színpadon működött. Nem működött egyszer, kétszer, harmadszor pedig azt hittem, rendben lesz, de nem. Abban a pillanatban valami lekapcsolódott az agyamban. Ha egy perc csendet kaptam volna a gondolkodásra és a kidolgozásra, képes lettem volna kezelni; de a talam zajlott, a közönség figyelte, és nem volt idő gondolkodni. Végül egy másik korvai -val fejeztem be. De amikor a mridangam előadó elkezdett szólózni, helyesen játszott a korvai. Azonnal csatlakoztam hozzá, és énekeltem vele. Aztán bejelentettem a közönségnek, hogy ezt akartam énekelni. Azt is mondtam, hogy ha nem kaptam volna meg, akkor nem tudtam volna aludni azon az éjszakán! (nevet)

Ezek a hiányosságok teszik emlékezetessé a koncerteket, nem?

Szerintem igen, de nem szeretném, ha gyakran történnének ilyen dolgok. Ha valami természetes és szerves dolog történik, az rendben van. Valami nem tervszerű történt, és átlátható voltam. Azt hiszem, ez a sebezhetőség, amiről beszéltünk. Szeretném, ha a koncertem a lehető leghitelesebb lenne.

Hogyan tervezed a koncertet?

Igyekszem nem megismételni azokat a ragákat és kompozíciókat, amelyeket a közelmúltban ezen a helyen énekeltem, de nem kerülheti el az ismétlést néha, ha ghána raga -t szeretne belefoglalni, mivel ezek csak korlátozott számban vannak. És általában, ha kerülöm őket egy koncerten, az emberek természetesen megkérdezik, miért nem volt Bhairavi, Thodi vagy Kamboji stb. És nekik is igazuk van. Valószínűleg az ismétlés elkerülése végett más szerzeményt fogok énekelni, vagy egy nap ghána raga -t használok egy Pallavi -ban, másnap pedig főként stb.

A második dolog az, hogy különféle zeneszerzőket és talamokat szerezzünk be. És a ragák változatossága a kontraszt tekintetében. Magával kell vinnie a hallgatót arra az útra, és így némi változatosságot ad.

Attól is függ, hol énekelek. A Tamil Nadu -ban egy -két tamil dalt éneklek, a Karnatakában egy -két kannada dalt és Keralában egy -két Swathi Thirunal dalt. Keverje össze az ismert dalokat, és adjon hozzá egy -két ritka dalt. Folyamatosan egyensúlyoznunk kell. Így közelítem meg a koncertet. Módosítsam a listát a színpadra lépés után? Igen, mindig. Miután elértem a helyszínt és megláttam a közönséget, néha azt gondolom, hogy a tervem nem fog jól működni, és ezért változtatok a játékidőn!

Amikor az emberek kéréssel fordulnak hozzád a koncert alatt, megzavarják a dolgokat?

Ha kézhez kapok egy kérést, akkor könnyebb beépíteni a koncerttervembe. Néha ezek a kérések is illeszkednek a gondolkodáshoz. Néha nem, de nem bánom. Mindenesetre megpróbálok teljesíteni a legtöbb kérést, amit a koncertek során kapok. Végül is az a dolgunk, hogy azt énekeljük, amit a közönség akar.

Néhány énekes új kompozíciókat ad hozzá repertoárjához, hogy megfontolja koncertjét? Tegyük fel, például a modern költészet kompozícióként vagy Pallavi -ként való hozzáadásával.

Valószínűleg nem csinálom aktívan, mert annyi minden van kint. Talán ez az, amit tudatosabban tennék az úton, amikor úgy érzem, hogy itt az idő.

Hogyan viszonyul a ragák felfedezéséhez?

Általában van csontváz az általánosan hallott ragákhoz, és a mi feladatunk kreatívan kitölteni. A ghánai ragák sok teret kínálnak e tekintetben. A legtöbb ragában pedig mindig vannak olyan megalapozott sangathisok, amelyekre vissza lehet esni, ha egy új út nem működik. Amikor ezeket a ragákat éneklem, magabiztosnak érzem magam, hogy többet fedezzek fel és kísérletezzek, miközben visszatérek az időkben tesztelt mintákhoz és átmenetekhez.

Aztán vannak ragák, amelyeknek alig van keretük és sablonjuk, mert alig énekelnek. Ez a másik véglet. Itt a szabadságod abból fakad, hogy kevés az előzetes felfedezés. Amikor ilyen ragokat énekelek, megpróbálhatok sok új dolgot csinálni, mert ki jön és mondja, hogy nem énekeltem rendesen? Fogalmam sincs, mi a helyes és elfogadott ebben az esetben.

Sandeep Narayan díjat kap a Zeneakadémián.

Hogyan kell kezelni a ritkán énekelt ragákat? Hogyan fejlesztheti őket korlátozott kompozíciókkal és referenciákkal?

Gondolom, ahogy nő a zenei érettségem, különböző dolgok járnak a fejemben. Például egy ritkán hallott ragában, mint például a Deepali, néhány sangathis és egy skála kivételével nem sok mindent állapítottak meg. Ilyen esetekben megragadhatok egy cetlit, és eldönthetem, hogy ez a leszállási pontom. Általában senki nem mondja, hogy rossz. De veszel egy régebbi és jól ismert raga-szerű Devamanoharit-és megváltoztatod a leszálló hangot, kellemetlenül fog hangzani, mert az bizonyos módon már be van állítva a hallgatók fejébe. Ilyen esetekben a raga azonossága másba kezd átformálódni.

De ezek közül a ritka ragák közül néhány hindusztáni. Nem tud hindusztáni hivatkozásokat használni?

Lehet, de az övék gamakák különbözők. A raga megközelítés más. Bizonyos mértékig utánozhatja a hindusztáni nyelvet- mondjuk, hogy olyan hangot kelthet Pantuvaraliban, mint Basant vagy Puriya Dhanashree. Ugyanazok a hangok, ha hindusztáni stílusban éneklik, másként fognak hangzani.

Csinálja néha?

Igen. Nekem tetszik (nevet). Ez személyes preferencia.

Erről eszembe jut egy TN Seshagopalan Pallavi felvétele, amelyben párhuzamos kifejezéseket énekel a Carnatic Bhairavi és Sindhu Bhairavi között (ami olyan, mint a Hindustani Bhairavi). Ezek a dolgok nagyon jók számomra, de vigyázni kell, hogy ne tévedjünk bele a többi ragával közös hangjegyekbe. Nem könnyű dolog.

Nagyon kifejező énekes vagy. Hogyan emotálsz? Például személyesen kell éreznie az odaadást ahhoz, hogy egy odaadó dal működjön?

Nem mindegyikben, de néhányban igen. Sokszor a dal jelentése segít kihozni az érzelmet. Néha az érzelem magában a ragában van. Néha ez lehet kapcsolat a dallal vagy kapcsolat a zeneszerzővel. Például tudjuk, mit jelent a Gopalakrishna Bharathi vargailaamo in Manji című dala. Nem éneklem azt a dalt, és magamra gondolok, mint aki vágyik arra, hogy lássa az istenséget, de érzelmesen gondolkozom a zeneszerzőn, aki olyan szépen írt és leírt egy ilyen helyzetet.

Van olyan raga, amelyet érzelmileg kötődőnek érzel mostanában?

Az utóbbi időben van valami kapcsolatom Thodival. A ragákkal való kapcsolatom jellege mindegyiknél más, és folyamatosan változik. Lehet, hogy klisésen hangzik, de megtanultam, hogy oka van annak, hogy olyan sok művész visszatér különösen ehhez a rágához, és miért van olyan hírneve. Ez csak hét jegyzet, de van ezen túl valami hatalmas. Úgy érzem, hogy lemegyek egy Thodi -alagútban, és egyre többet tanulok a rágáról, amikor eléneklem, és amikor azt gondolom, hogy talán kimentem az alagútból, rájövök, hogy még ennél is több köze van ennek a csodálatos rágának, és elmélyülök még mélyebbre.